LIPPSTADT Es ist natürlich zu einfach, bei einem unter der Überschrift „Very British“ geplanten Chorkonzert alle negativen Begleitumstände gleich für tiefgreifende Symbolik zu halten. Aber wie anders kann es der Kammerchor Con Brio des Städtischen Musikvereins Lippstadt denn deuten als mit Verschwörungstheorien, wenn vor seinem Konzert in einer Hochsommerphase plötzlich ein Gewitter niederbricht, die Sopran-Solistin kurzzeitig erkrankt, der Chorsopran am Beginn des Programms, von der Gewitterglocke gedrückt, dies nicht ganz verbergen kann?

Wie gut, dass das vom Chorleiter Burkhard A. Schmitt freundlich-entspannt begrüßte Publikum nicht aus Verschwörungstheoretikern bestand und sich dem musikalischen Angebot willig öffnete. Drei der populärsten und besonders stimmungscharakterisierenden Madrigale von Thomas Morley, John Dowland und John Bennet konnte sich der Chor Con Brio durch erfreulich ausgewogenem Klang auszeichnen, wobei besonders der Alt warme Einbindung leistete.

Bedauerlicher Ausfall der Sopran-Solistin

Dieser Beitrag des 16. Jahrhunderts war wie auch in der Folge der bedeutendste des Programms. Da wurden kompositorische Maßstäbe gesetzt, die Burkhard A. Schmitt intensiv zu erfüllen wusste. Die Moderne des 20. Jahrhunderts wurde mit Klangschönheit geboten, stellte sich aber weitgehend als kompositorischen Ableger von Johannes Brahms oder Felix Mendelssohn Bartholdy dar.

Wenn der allgegenwärtige John Rutter als wichtigster englischer Komponist der Moderne gefeiert wird, dann könnte es um die englische Musik der Gegenwart schwächlich bestellt sein, gehen doch von ihm kaum irgendwelche Innovationen aus. Sie ist aber nicht so verarmt. Das wurde in diesem Programm nicht ganz so deutlich, da das geplante Lied von Benjamin Britten aufgrund der Erkrankung der Solistin ausfallen musste.

Das Publikum jedenfalls war für einen klangvollen Sommerauftakt dankbar, besonders auch dafür, dass Burkhard A. Schmitt auf den bedauerlichen Ausfall der Sopranistin Stephanie Lönne mit einem spontanem Flötensolo, begleitet von Daniel Tappe (Klavier), reagieren konnte. AK

Es kann nur einen geben: Paul Cibis (l.) und Andreas Kern ziehen in die Tastenschlacht. Foto: Heier

LIPPSTADT „It’s Showtime“ rufen Andreas Kern und Paul Cibis in den vollen Saal des Lippstädter Stadttheaters. Vor ihnen sitzen rund 700 Schüler, die bei der „Piano Battle 2.0“ der beiden Pianisten die Jury stellen. Nur einer der beiden Tastenkünstler kann gewinnen. Sie beide träumen von einer eigenen TV-Show.

Es gibt mehrere Runden, der Applaus entscheidet. Der Wettkampf wird zum gelungenen Anschauungsunterricht, in dem die Jugendlichen so ganz nebenbei mit einigen Komponisten und ihren Werken vertraut gemacht machten. So etwa mit Claude Debussy, der sagte: „Wer nicht verreisen kann, soll seine Fantasie benutzen“. Seine stimmungsvollen Kompositionen wie das „Clair de Lune“ werden mehrmals angestimmt. Sergei Rachmaninow, Dmitri Schostakowitsch, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven: Sie alle werden Teil einer musikalischen Unterhaltungsshow, die zum Ziel hat, junge Menschen für die variantenreiche Klassik zu interessieren. So etwa fasziniert der galaktische Ausflug mit der von Debussy inspirierten „Star Wars“-Filmmusik. In einem Medley führen Cibis und Kern vor, wie die Klassik den Soundtrack von John Williams inspirierte.

Es ist die mitreißende, jugendliche Präsentation der beiden, die begeistert und die vor allem in Andreas Kern einen frechen Moderator hat, der nah an den Jugendlichen ist. Er ist der Sprücheklopfer und hat die junge Zuhörer gleich auf seiner Seite, während der eher zurückhaltende Cibis den Sensibleren spielt. Ständig muss er einstecken. „Du hast überhaupt keine Ausstrahlung, du musst mehr Risiko eingehen“, kriegt er zu hören.

Doch der aus Lippstadt stammende Pianist widmet sich lieber romantisch-sinnlichen Werken und ihrer Ausdruckskraft, der „Träumerei“ von Schumann oder Chopins „Nocturne“. Was zwar auch bei den Jugendlichen ankommt, aber eben nicht bei der Masse. Die hört lieber Kerns wendigen Johann Sebastian Bach, den er geschickt verjazzt und sich dabei sogar noch auf die Klaviatur setzt. Tosender Applaus.

In der vierten Runde geht es darum, drei Lehrerinnen zu bezirzen. Die Damen sollen bewerten, welche Art der musikalischen Verführung ihnen am besten gefällt. Knapp gewinnt Kern mit Stücken wie dem ÉdithPiaf-Chanson „La vie en rose“. In einer Runde aber punktet Cibis: Die Filmmusik hat er in der Show entschieden besser drauf. In Sekundenschnelle werden „James Bond“, „Rocky“ & Co vom Publikum erraten.

In den ersten Runden entscheidet noch das Gehör bei der Einschätzung der Applausstärke, mit der die Zuhörer die Darbietungen bewerten. Doch in der letzten, entscheidenden Runde hilft die Applausmeter-App. Es wird geklatscht, getrampelt und geschrien. 107 zu 104 Dezibel: Andreas Kern gewinnt den Lippstädter Contest. Zumindest in der Vormittagsvorstellung. Am Abend schließt sich eine weitere „Piano Battle“ an.

Debussy und „Star Wars“ — diese gelungene Kombination wird sich so mancher gemerkt haben. rio

LIPPSTADT Mit dem überraschend erfrischenden Frühlingstemperaturen wetteiferte im Kammerkonzert in der Lippstädter Jakobikirche das charmante, sympathisch junge Azahar Ensemble — Bläserinstrumentalisten, die sich vor fast zehn Jahren im Nationalen Jugendorchester Spaniens gefunden und zu einem Ensemble zusammengetan haben.

Es gibt durchaus Formationen, die aus Flöte, Oboe, Klarinette, Fagott und Horn bestehen. Aber es sind doch immer gewisse Exoten, weil für sie die Zahl der Original-Kompositionen sehr schmal ist. Zur Hilfskonstruktion der Bearbeitungen zu greifen, ist also ebenso verständlich wie förderlich für die Verbreitung wertvoller Kammermusik.

Ein hübsches Einspielstückchen stand mit Wolfgang Amadeus Mozarts Bearbeitung seiner Fantasie für eine Orgelwalze am Beginn des Programm. Schon hier zeigten sich die künstlerischen Merkmale des Azahar Ensembles: seine unverkrampfte Spielfreude, technische Souveränität und ein musikantisches Miteinander, bei dem jedes Mitglied sich mit seinem Werkbeitrag gewürdigt weiß.

Und das wurde umso mehr bei dem D-Dur Bläserquintett op. 91 Nr.1 des Großmeisters für diese Besetzung, Anton Reicha, deutlich. Das hatte mitreißenden Spielwitz ohne Oberflächlichkeit, zeigte die ganze instrumentale Beherrschung des Komponisten, der jedem Instrument trefflichen Spielraum zuweist. Und den nutzten die Ensemblemitglieder prachtvoll: Frederic Sánchez Muñoz (Flöte), Maria Alba Carmona Tobella (Oboe), Miquel Ramos Salvadó (Klarinette), María José García Zamora (Fagott) und Antonio Lagares Abeal ( Horn).

Das ist schon ein Geschenk an die Besetzung von einem Komponisten, der in Paris eine große Zahl bedeutender Schüler ausgebildet hat, von dem aber Frédéric Chopin tief enttäuscht in einem Brief feststellte, dass er die Musik nicht liebe, nicht einmal in die Konzerte des berühmten Pariser Konservatoriums gehe. Gemeinsam mit Luigi Cherubini unterlag er dem Chopin-Urteil: „Diese Herren sind nur eingetrocknete Mumien, auf die man mit Verehrung zu blicken und aus deren Werken man zu lernen hat.“ Aber wer sagt denn, dass große Künstler, Komponisten oder Dichter, auch besonders sympathisch sein müssen? Schrieben sie nur solche Werke wie Anton Reicha und würden sie dann so prachtvoll interpretiert wie hier vom Azahar Ensemble.

Ansprechende Miniaturen von Joaquín Turina bestimmten den zweiten Programmteil: „Mujeres españolas“ op. 73, charmant gespielt, charakteristisch melancholisch wie verspielt, immer mit zupackender Dynamik.

Am Schluss dann Carl Nielsens Bläserquintett A-Dur op. 43, eine Komposition bildreich erzählender Musik, die in den Variationen dem Ensemble glänzende Soloauftritte anbot. Und die wurden mitreißend erfüllt, wie das gesamte Programm, und so konnte das Publikum beschwingt in den Frühling gehen. AK

Das Solistenquartett: Marek Gasztecki (Bass), Anton Saris (Tenor), Monica Mascus (Mezzosopran ) und Camilla Nylund (Sopran).

LIPPSTADT Für den Konzertsaal hat Antonin Dvorák sein „Requiem“ geschrieben. Das mag ein wenig verwundern, entspricht aber durchaus einer englischen Chortradition. In London hat der böhmische Komponist schließlich sein letztes großes Chorwerk vollendet. Und gegen alle Erwartungen von Kennern und Liebhabern „böhmelt“ hier nichts, sondern hier zeigt sich ein Komponist, dessen Musikstil seine musikalische Herkunft nicht verbiegt, wenn auch viele Erwartungen durch ausgedehnte Auslandsaufenthalte besonders in England, wo er 1890 das Requiem vollendete, in Amerika und Russland an seinen Kompositionsstil gerichtet wurden.

Aber er hatte ja einen Johannes Brahms an seiner Seite, wahrlich ein Komponist von anderer schöpferischer Statur, der ihn für seinen unverkrampften Einfallsreichtum liebte und mit Wohlwollen begleitete. Und Antonin Dvorák hat seinen Freund tief verehrt und ihn bis in seine letzte Lebenszeit begleitet.

Beide haben ein großes Requiem geschrieben, und doch wie anders. Der Protestant Brahms stellte sich dazu einen eigenen Text zusammen, schuf sich so das eigene emotionale Kompositionsfeld. Antonin Dvorák blieb bei dem alten lateinischen Requiem-Text. Und doch bekommt der strenge Text trotz mancher kompositorischer Aufgewühltheit einen besänftigen Charakter voll mildem Gebetscharakter.

Und das hat seinen Grund in der schon am Beginn anklingenden und das ganze Werk im Hintergrund begleitenden oder beherrschenden Floskel „Kyrie eleison“, wie es in Johann Sebastian Bachs „Kyrie“ in seiner h-Moll-Messe angesprochen wird.

Burkhard A. Schmitt, der Leiter des Antonin-Dvorák-Requiems im Lippstädter Stadttheater, versuchte diesen Bezug mit großem Engagement herzustellen. Und diese Assoziation erscheint mir bei einem Komponisten, dem in kurzen Abständen drei Kinder starben, nicht unverständlich. Das Orchester der Bergischen Symphoniker folgte dem Dirigenten bei hier hörbar sensibel, es dichtete aber besonders in den Soli die vier Solisten klanglich ab.

Die Konzertchöre von Lippstadt und Wirges trugen das Hauptgewicht der Requiem-Aufführung.
Fotos: Tuschen

Das lag aber auch an dem nicht ausgeglichenen Solistenensemble. Die Sopransolistin Camilla Nylund ist eine Sängerin von außerordentlichem Niveau, ein begeisternder Gewinn auch in kleinen Partien wie Antonin Dvoráks Requiem. Ihr zur Seite stand der wunderbar in allen Lagen ausgeglichene Mezzosopran Monica Mascus. Der Tenor Anton Saris blieb im Volumen unauffällig, der polnische Bassist Marek Gasztecki verdient den Dank, den erkrankten Basskollegen Peter Lobert mit stimmlicher Zurückhaltung vertreten zu haben. Ein ausgeglichenes Solo-Quartett kam so im „Recordare“ zustande.

Größten Eindruck aber hinterließen die Konzertchöre von Lippstadt und Wirges, die ja auch das Hauptgewicht der Requiem-Aufführung trugen. Burkhard A. Schmitt trieb den ausgewogenen Chorklang an die Grenzen der Kraftreserven. Anerkennenswert war, dass die klangliche Binnenspannung nicht verloren ging. Frauen und Männer verdienten sich aber besonderes Lob in den A-cappella-Chören. Das war Balsam für die große Zahl der sensiblen Oratorienbegeisterten. AK

Die Echoes of Swing feierten am Freitag ihren 20. Bühnengeburtstag mit dem Publikum in der Jakobikirche. Foto: Marion Heier

LIPPSTADT Fast 20 Jahre ist es her, dass die Echoes of Swing in Lippstadt zum ersten Mal gespielt haben – und seit fast 20 Jahren spielen Bernd Lhotzky (Klavier), Chris Hopkins (Alt Saxophon), Colin T. Dawson (Trompete, Vocals) und Oliver Mewes (Schlagzeug) in unveränderter Besetzung zusammen. Am Freitagabend feiert das Ensemble in der Jakobikirche also einen echten, runden Geburtstag mit dem Lippstädter Publikum.

Mitgebracht hat es zum Gemeinschaftskonzert von Jazzclub und Städtischem Musikverein sein aktuelles Konzertprogramm „Travelin’ – Celebrating 20 Years on Tour“. Die Jakobikirche ist prächtig gefüllt, es hat Jazz- wie Klassik-Fans hergelockt, die sich von dem swingenden, feinnervig interpretierten Jazz der 20er- bis 50er-Jahre anstecken lassen. Es passt gut.

Das Quartett bewegt sich mit seinem gepflegten, gefälligen Swing innerhalb traditioneller Genres zwischen Bop, Dixie und Mambo-Sound, zum Teil sogar Ragtime und Blues. Vieles davon sind Klassiker aus dem „Great American Songbook“. Im wohl überlegten Repertoire sind Stücke, die alle etwas mit dem Reisen zu tun haben und in denen viel passiert. So etwa interpretiert das Quartett neben Eigenkompositionen und bekannten Jazz-Stücken in ausgeklügelten Arrangements Dean Martins „Volare“, Swing-Balladen wie Cole Porters „Dream Dancing“, Sidney Bechets „Southern Subset“ oder Coleman Hawkins „Disorder At The Border“.

In ihnen zelebrieren sie ihr geübtes Zusammenspiel, wobei ihnen die kompakte und zugleich flexible Formation mit zwei Bläsern, einem Schlagzeug und einem Klavier viel Spielraum gewährt, kreativ zu werden. Lhotzke entrückt zu „Over The Rainbow“ mit diametralem Spiel von rechter und linker Hand, die geradezu autark sowohl das rhythmische Thema in der Basslinie als auch rechts die Improvisation spielen.

Mit Duke Ellingtons „On A Turquoise Cloud“ ist es der am Schlagzeug mit Besen begleitete Romantic-Swing, dem Dawson an seiner Trompete die entsprechende Färbung verleiht. Auch bringt er mit seiner Komposition „Going Home“ gesanglich neue Klangfarben ins Spiel.

In Stücken wie „Stardust“ von Hoagy Carmichael, „Vom Wrack der guten Hoffnung“ oder Mambo präsentieren sich die ausgezeichneten Instrumentalisten als eingefleischte Jazzer mit kurvenreichen, modulierenden Improvisationen, die gerade auch Hopkins am Saxophon gekonnt ausspielt. rio

LIPPSTADT So ungefähr könnte man sich heute das früher so beliebte Genre der „Hausmusik“ vorstellen, das dem allgemeinen akustischen Lärm hat weichen müssen. Das Kammerkonzert des Städtischen Musikvereins hat es wieder aufleben lassen.

Zwei begabte Musikanten stellen sich einem erwartungsvollen Publikum mit einem Programm, das nicht vorweg bekannt gemacht wurde. Man freut sich über die Klänge, die einem entfernt bekannt vorkommen, man lässt sich vom musikalischen Einfallsreichtum der Interpreten überraschen. So ungefähr war das auch beim Kammerkonzert in der Lippstädter Jakobikirche mit dem prachtvollen Duo Juliana Münch (Violine), und André Parfenov (Klavier), das die Hörer ebenso irritieren wie zu dem beliebten Musikrätseln ermuntern konnte.

Das begann schon mit dem Eingangswerk des „Vier Jahreszeiten in vier Jahrhunderten“ betitelten Programms. Ouvertüre und Rezitativ aus Joseph Haydens Oratorium „Die Jahreszeiten“, auf Violine und Klavier gebracht? Das war emotional erfülltes Musizieren, aber das Werkarrangement des Pianisten Andre Parfenov doch souverän über die Wiedererkennbarkeit des Werkausschnitts aus Joseph Haydns Oratorium hinausgetrieben.

Ähnlich erging es den beiden Nummern aus dem Klavierzyklus „Die Jahreszeiten“ von Peter Tschaikowski. Wer den Klavierzyklus kennt, konnte sich aber auch hier daran erfreuen, mit welchem Feinsinn und welcher musikalischen Ernsthaftigkeit der arrangierende Pianist zu Werke gegangen war. Antonio Vivaldis „Sommersturm“ aus dessen „Vier Jahreszeiten“ ließ sich die Geigerin Juliana Münch zur Demonstration ihrer glänzenden technischen und musikantischen Fähigkeiten natürlich nicht entgehen.

Die zweite Programmhälfte kehrte sich nun gar nicht um das Motto des Abends, und das tat ihr sehr gut. Hier störten keine etwas willkürlich gesetzten Lyrik- oder Prosatexte, hier wurde ebenso munter geplaudert wie hinreißend gejazzt. Da konnte ein Satz der 1. Sinfonie von Ludwig van Beethoven ebenso den Jazz-Auslöser anbieten wie beschwerliche Erfahrungen im häuslichen Umfeld.

André Parfenov ist ein höchst angeregter wie anregender Jazzer und Juliana Münch musste sich als charmante und interpretatorisch einfühlsame Geigerin dahinter nicht verstecken. Wenn es stimmt, dass sich eine Gehirnhälfte von klassischer Musik, die andere vom Jazz ansprechen lässt, dann waren die Hörer des Kammerkonzertes mit dem Parfenov-Duo in Hirngänze angesprochen, in ihrem Herzen sowieso. AK

LIPPSTADT „Sie konnten zusammen nicht kommen, das Wasser war viel zu tief.“ Hier ist einmal das Wasser der Hinderungsgrund für ein liebevolles Zusammenkommen. In der Literatur gibt es dafür eine Fülle verschiedener Begründungen. Das kann von der scharfäugigen Stiefmutter über soziale Abhängigkeiten, von erpresserischen Normen bis zu konfessioneller Verbissenheit reichen. Selbst Todesssehnsucht aus tiefer Liebe führt in alle denkbaren psychologischen Tiefenschichten.

Da ist es denn kaum verwunderlich, wenn solche Mächte sich in allen denkbaren Kunstformen niederschlagen. An erster Stelle wohl in der Musik, die die unterschiedlichsten Assoziationen beim Hörer freisetzt, ohne das ihm die Denk- oder Gefühlsrichtung vorgeschrieben würde. Nicht alles ist heute in vermeintlich aufgeklärter Zeit schon überholt, wenn vieles davon auch kaum noch sonderlich zu erschüttern vermag.

Eine Geschichte aber hat die Kunstwelt doch immer wieder tief getroffen, und das hat William Shakespeare mit seinem Drama „Romeo und Julia“ auf dem Gewissen. „Romeo und Julia“ hieß dann auch das Sinfoniekonzert der Neuen Philharmonie Westfalen im wieder sturmresistenten Lippstädter Stadtttheater, veranstaltet vom Städtischen Musikverein.

Und das Programm erstellte musikalisch die ganze Gefühlsbreite, die der Dramenstoff inhaltlich vorgibt. Die „Fantasie-Ouvertüre“ des emotional immer wieder zerrissenen Peter Iljitsch Tschaikowsky stand am Programmbeginn mit der empfindungstiefen, choralartigen Introduktion, die ihr Gegenbild in den erregten Synkopen der verfeindeten Adelsgeschlechter Veronas erfährt. Generalmusikdirektor Rasmus Baumann, Leiter der Neuen Philharmonie Westfalen bewies schon hier, was sein Dirigat den ganzen Abend bestimmen sollte: das sichere Einfühlungsvermögen in die stimmungshaft wie rhythmisch bestimmten Partiturelemente.

Das macht auch die ganze Stimmungsskala in Sergeij Prokofjews Suite aus, von der Gespreiztheit des ersten Satzes, über die Innigkeit von „Das Mädchen Julia“ bis schließlich hin zur aggressiven Wucht der Dissonanzen in „Tybalts Tod“. Rasmus Baumann konnte überzeugend das ganze Gefühlstableau ausbreiten, weil ihn das Orchester mit großer Klangdisziplin, hoher rhythmischer Präzision und Konzentration folgte.

So wurden auch die „Sinfonischen Tänze“ aus der „West Side Story von Leonard Bernstein“ zu einem mitreißenden Orchestervergnügen, souverän bis in die heikelsten rhythmischen Wendungen, nie aus der gelösten Körpersprache des Dirigenten entlassen. Überraschend für viele Hörer aber mag das Intermezzo aus „A Village Romeo und Julia“ von Frederik Delius gewesen sein, Komposition des ausgewanderten gebürtigen Bielefelders, emotionales Stimmungsstück im Programm, mit großer Sensibilität gespielt und so für den Komponisten einnehmend. Das Publikum war von dem facettenreichen Programm hochgestimmt. AK

Von Alfred Kornemann

LIPPSTADT Nun hat also auch der Lippstädter Musikverein dem neuen Jahr seinen musikalischen Anschub gegeben. Mit schöner atmosphärischer Entspannung trug das Meininger-Trio in der Jakobikirche dazu bei — drei Musikanten von nicht nur professioneller Einstellung, sondern mit musikantischer Hingabe: Christiane Meininger (Flöte), Milos Mlejnik (Violoncello) und Rainer Gepp (Klavier). Und wenn sie dabei mit Ausnahme des g-Moll-Trios op. 63 von Carl Maria von Weber weitgehend überschaubare einsätzige Kompositionen spielten, dann diente auch das dem entspannten Jahresauftakt.

Das Trio g-Moll war allerdings das gewichtigste der Werke des Programms. Es hat die weiteste Stimmungsbreite, vom Ländler im Scherzo bis zum schwungvollen Finale, hat aber ebenso das emotionale Moment des Trios mit dem Allegro-Eingangssatz und dem Andante espressivo über „Schäfers Klage“ eingebracht. Gerade die Erfüllung der jeweiligen Stimmungswerte war das überzeugende Kennzeichen des Meininger-Trios, das völlig unverkrampft auch auf die folgenden Werke des Programms übertragen wurde, die von sehr unterschiedlichen Ansprüchen waren.

Keine der Kompositionen, welcher Entstehungszeit auch immer, löste sich aus dem Einflussbereich der Romantik oder Spätromantik. Selbst die beiden Werke unseres Jahrhunderts von Elif Ebru Sakar und Blaz Pucihar waren nicht davon bestimmt, neue klangliche Vorstellungen zu verwirklichen.

Es spricht allerdings nichts dagegen, dass drei vorzügliche Interpreten — die klanglich überaus einfühlsame Flötistin Christiane Meininger, der jede kleinste Nuance mit seinem prachtvollen Instrument erfüllende Cellist Milos Mlejnik und der temperamentvoll-sensible Musikant Rainer Gepp (Klavier) — auch für die kompositorisch rückwärtsgerichteten Werke von Elif Ebru Sakar oder Blaz Pucihar mit gleichem Interpretationsernst eintreten wie etwa bei einer Debussy-Zugabe.

Die zwei klangvollen Werke von Amy Beach, die emotional erfüllte Romanze op. 23 für Violoncello und Klavier und „Dreaming“ für Klavier, das aus dem Schatten von Chopin kaum heraustritt, sie waren Beispiele für die höchst anerkennenswerte Ausgrabungsarbeit bezüglich relativ unbekannter Komponistinnen. So etwa Lili Boulanger mit ihrem stimmungsgesättigten „Nocturne“ oder Elena Kats-Chernin mit ihrem netten Rausschmeißer am Programmende.

Aber es gab auch noch männliche Programmbeiträge mit hübschen Klangfarben von Philippe Gaubert und Theodor Kirchner. Insgesamt also boten die sympathischen Interpreten einen feinsinnigen Jahresauftakt, den das Publikum entspannt und beifallfreudig aufnahm. Und da konnte sich auch die anwesende junge türkische Komponistin Elif Ebru Sakar einer solch aufgeschlossenen Atmosphäre gerne erfreuen.

Lippstadt Ein Kammerkonzert kann für den Veranstalter wahrlich nervenzerrend sein. Kann der erwartete Künstler überhaupt kommen, wo allerorten Flüge kurzzeitig gecancelt wurden? Ein Ersatzflug glückte. Der Veranstalter holt den Gast an einem anderen Flughafen ab. Doch er muss auf der Rückfahrt noch eine Autobahnvollsperrung weiträumig umfahren.

Das war nötig, um einen wunderbaren Klavierabend des Lippstädter Musikvereins mit dem vielgelobten Pianisten Alexander Melnikov in der Jakobikirche möglich zu machen. Dem jedenfalls war nichts anzumerken von der beschwerlichen Anreise. Mit großer Konzentration stellte er zu Beginn das Hauptthema der „Zwölf sinfonischen Etüden in Variationsform“ op. 13 von Robert Schumann vor, mit dem sich der Komponist in seinen Variationen auf je sehr spezifische Weise einlässt. Er geht nicht nur hier seine kompositorisch eigenen Wege, die ihm oft das Unverständnis seiner Kollegen oder gar seiner Frau Clara bescherten.

Was er in den „Sinfonischen Etüden“ dem recht einfachen Thema seines Beinaheschwiegervaters Baron von Fricken abgewinnt, zeigt völlig ungewöhnliche kompositorische Spuren. Und gerade diesen geht Alexander Melnikov mit großer Intensität und Feingespür für die Vielgesichtigkeit und das weitgespannte Farbspektrum nach.

Das zweite Werk des Programms, die „Sieben Phantasien op. 116“ von Johannes Brahms, scheinen wie eine Fortsetzung der „Sinfonischen Etüden“ des Freundes Robert Schumann. Sie sind von gleicher Leidenschaftlichkeit, kraftvoll und von emotionaler Tiefe. Alexander Melnikov spielte sie mit energiegeladener Intensität, ohne Effekthascherei immer aus der Musik selbst schöpfend mit höchster Anschlagskultur. So gelingen ihm die unterschiedlichsten Stimmungswerte der aufbegehrenden Capricci ebenso eindrucksvoll, wie die klingenden Gefühlswelten der Intermezzi. Auf diese Weise entsteht der Einblick in die geschlossene formale Anlage der Komposition von Johannes Brahms.

Größte Begeisterung (und Erschöpfung) des Publikums aber erspielte der begnadete Pianist mit der Auswahl von zwölf „Präludien und Fugen“ von Dmitrij Schostakowitsch. Vorbild dazu ist (auch biographisch belegt) das „Wohltemparierte Klavier“ von Johann Sebastian Bach und ist doch von einer hochkünstlerischen Selbständigkeit. So ist ein Werk entstanden, dessen innere Spannungsbreite, Vielfarbigkeit und emotionale Tiefe Alexander Melnikov mit ebensolchem hinreißenden Engagement wie einer bei dieser Komposition notwendigen künstlerischen Distanz spielte.

Auf dieser Höhe völlig unaufgesetzter technischer Brillanz und musikalischer Durchdringung des kompositorischen Geflechts spielen heute wenige Interpreten seiner Generation – ich kenne nur Bernd Glemser. Es ist lohnend, sich mit dem Komponisten Dmitrij Schostakowitsch und seinem Umfeld bei der Entstehung seiner „Präludien und Fugen“ zu befassen, wozu ich den jüngst erschienenen Roman „Der Lärm der Zeit“vonJulian Barnes empfehlen kann. Und danach noch einmal die CD des live noch hinreißenderen Alexander Melnikov. Die Zuhörer in der Jakobikirche schienen sich jedenfalls bewusst zu sein, ein musikalisches Ereignis erlebt zu haben. AK